Мир театра и кино – это мир иллюзий, волшебства и перевоплощений. И в нем есть настоящие волшебники, которые создают целые миры с помощью ткани, цвета и формы. Одна из таких волшебниц – Екатерина Зенчугова, художник по костюмам, чьи работы не просто украшают актеров, а рассказывают историю, погружая зрителя в атмосферу спектакля.

Мы встретились с Екатериной, чтобы узнать больше о ее творческом пути, источниках вдохновения и о том, как рождаются ее удивительные костюмы.

Екатерина – человек с пытливым умом и безграничным воображением. Она видит в ткани не просто материал, а инструмент для выражения эмоций, раскрытия характера персонажа и создания неповторимой атмосферы. Ее работы отличаются смелостью, изысканностью и вниманием к деталям.

«Одежду для кукол я никогда не шила»

– Когда и как начался ваш путь как художника?

– Мой путь в профессию начался, пожалуй, еще в детстве. Я родилась в Луганске и росла в обычной семье. Мой дедушка Виктор Михайлович Мищенко был талантливым скульптором и оформителем. Искусство было его страстью, и я с раннего детства погружалась в этот мир. Вспоминаю, как мы вместе рассматривали журналы и книги с репродукциями великих художников, как он брал меня на пленэры, где писал природу, а я то наблюдала за процессом, то пыталась в свои 5-6 лет повторить его шедевры.

Мама, Татьяна Викторовна Щупаковская, тоже связана с миром творчества. Сейчас шитье скорее ее хобби, но она создает такие вещи, что позавидует любой виртуоз! Она какое-то время работала портной на дому, и процесс создания одежды всегда завораживал меня.

Интересно, что одежду для кукол я никогда не шила. Мне больше нравилось фантазировать, сочетать разные материалы, формы и фактуры. Оказалось, это называется макетным методом создания костюма – я узнала об этом уже позже.

Рисовать одежду я начала еще в школе. У меня была целая тетрадь с эскизами необычных моделей. После школы я поступила в луганский колледж на модельера-конструктора женской одежды. Честно говоря, тогда я не понимала, на что подписываюсь.

Первые пару лет в колледже швейная машинка просто пугала меня, а технология изготовления одежды совсем не шла. Швейную практику сдавала с горем пополам, перепарывая свои первые изделия по 10 раз…

Но потом, где-то с третьего курса, стало легче и интереснее. Я поняла, как это здорово – из простого отреза ткани создавать что-то красивое, объемное, подчеркивающее рельеф фигуры. И дальше уже начался полет фантазии! Дипломным проектом нашей группы стала коллекция одежды по моим эскизам «Северное сияние».

Далее я поступила в академию имени М. Матусовского, выбрав направление «Художественно-костюмерное оформление театральных представлений и кино». На тот момент я и подумать не могла, что мне когда-нибудь доведется работать по своей прямой специальности.

Мгновения для вдохновения

– В академии царила особая творческая атмосфера, – вспоминает Екатерина. – Интересные люди – как преподаватели, так и сокурсники, сумасшедшие мозголомные задания, конкурсы, на которые мы отправляли эскизы или возили свои коллекции… Сложно было, но очень интересно!

После академии с отличием будущий костюмер окончила магистратуру в ЛГУ им. В. Даля по направлению «Технология, материаловедение и конструирование швейных изделий».

– Кто из мастеров (художников, дизайнеров) оказал на вас наибольшее влияние?

– Ох, их так много! Художники, модельеры, дизайнеры…  Сразу вспоминаются Саврасов, Ватто, Айвазовский, Дали, Марчук…

Из модельеров всегда любила и уважала Жана-Поля Готье. Когда в студенчестве я познакомилась с его творчеством, идеями и подходом к крою, это был просто взрыв! Братья Адольф и Рудольф Дасслеры (основатели Adidas и Puma) тоже восхищают меня – они проделали путь от мелкосерийного производства комнатной обуви до гигантов в мире спортивной одежды!  Надежду Ламанову я обожаю за ее метод макетного моделирования и профессиональный подход к делу. А Вероника Каллаур – настоящий новатор! Ее смелые приемы в работе с этническим костюмом и интерпретации в рамках современного – это что-то невероятное!

– Откуда черпаете вдохновение для создания своих работ?

– Сейчас я вдохновляюсь не только зрительными образами. Порой общение с интересными людьми, теплая встреча, путешествие или хорошая книга вдохновляют не хуже, чем изысканное платье или чудесное полотно. Главное для меня – мгновения, которые ловишь каждый день: лучи солнца сквозь туман, детский смех, паутинка в каплях, умело расписанный осенью листок на ветру, аромат свежесваренного кофе или только что испеченного пирога – все те маленькие радости, из которых складывается настоящее большое вдохновение.

На глубине темы в «Питере Пэне»

– Как вы подходите к созданию костюмов для какого-либо конкретного проекта?

– Работа над любым проектом начинается с погружения в тему. Я внимательно изучаю контекст – это может быть исторический период, литературное произведение, концепция режиссера. Затем я рисую эскизы, продумываю конструкцию и детали костюмов, а после перехожу к воплощению идеи в материале. От эскиза к премьере – кропотливый путь…

Конечно, каждый проект уникален и имеет свои нюансы. Мне особенно нравится работать с историческими костюмами, стилизовать их, добавлять авторский взгляд.

Например, работа над костюмами к сказке «Питер Пэн» в ЛАМДТ им. М. Голубовича была настоящим приключением! С самого начала мы тесно сотрудничали с замечательным сценографом Любой Мартыновой. Вместе создавали единую стилистику спектакля, подбирали цветовую гамму, продумывали гармоничное сочетание пластики декораций и форм костюмов.

Все костюмы в «Питере Пэне» были разделены на четыре группы: пираты, потерянные мальчишки, жители Лондона и сказочные обитатели острова (Питер Пэн, феи, Тигровая Лилия). Каждая группа получила свои характерные черты, которые помогали зрителю сразу понять, кто перед ним.

Веселые мальчишки-потеряшки – это свободные комбинезоны, шорты с латками, рубашки и обтрепанные жилеты. Теплые тона, яркие акценты, клетчатые и полосатые ткани матовых текстур подчеркивали их озорство и независимость.

Пираты же – контрастнее, с холодными цветами и красными акцентами, поперечной полоской. Мне пришла идея сделать им татуировки: мы изготовили бежевые водолазки и расписали их вручную.

После утверждения эскизов началась работа над технической частью и воплощением образов в материале. Мы обсуждали конструкцию и технологию, закупали материал, кроили, примеряли, проводили примерки, корректировали, снова примеряли… Мы очень боялись не успеть, так как нужно было, помимо пошива, еще декорировать костюмы.

Ведь зритель смотрит на актера и думает: «Да, это капитан Крюк», но чтобы передать всю его стать, весь характер, нужно постараться. Расшить камзол петлицами – конечно, в два ряда! Он же капитан! Рубашка – белоснежная, с кружевными воланами. Жилет из парчи с невероятными пуговицами… И жабо, и брошь с красным камнем. Что-то еще… Шляпа! Расшить тесьмой, прикрепить перья… Фух! Кажется, все!

В процессе создания костюмов к «Питеру Пэну» я вспомнила много забытых навыков: вышивку (жилет Питера Пэна с имитацией древесного узора), роспись (татуировки пиратов) и приемы состаривания материалов.

Каждый проект – не просто пошив костюмов, это проживание каждого образа. И ты можешь выдохнуть только на премьере, когда понимаешь: да, шалость удалась!

Эксперименты и нестандартные решения

– С какими трудностями приходилось чаще всего сталкиваться в процессе работы?

– Знаете, я порой задумывалась над этимологией слова «дизайнер». Оно же произошло от английского design. А это ведь не только красота и гармония, это еще и «решение» в более узком понимании.

Дизайнер – это прежде всего человек, который находит решения, часто в очень короткие сроки. В театре художник по костюмам – это связующее звено между режиссером, актерами, цехами, отделом закупок и многими другими людьми.

– Какой из созданных вами костюмов вам запомнился больше всего?

– Однажды мне довелось создать костюмы для троллей в новогодней сказке. Мы работали командой с пошивочным цехом и бутафорами. Изобрели целую технологию сборки: сначала отшивался обычный комбинезон по меркам актера, затем наращивали объемы мышц, животика с помощью поролона и синтепона. После этого пошивочный цех изготавливал второй комбинезон из трикотажа телесного цвета уже по меркам увеличенного тела тролля, после чего мы с художниками подчеркивали рельеф мышц акриловой краской. Вишенкой на торте стала работа с текстурой комбинезона и украшение из бутафорских костей.

– Какие материалы и техники вы предпочитаете использовать в своей работе?

 – Театральный костюм должен быть прежде всего эффектным и запоминающимся. Не всегда при работе с ним полностью подходит классическая технология изготовления, где четко прописана последовательность процессов и рекомендуемые материалы. Нам с командой часто приходится искать нестандартные решения, особенно когда речь идет о создании объемных форм или передаче необычной фактуры. Раньше я любила экспериментировать с росписью акрилом, но сейчас меня больше привлекают объемные техники: вышивка, вязание крючком, аппликации.

–  Что для вас значит создавать «живые» костюмы, которые помогают актерам вжиться в роли?

 – Это не просто красивая картинка на сцене. Важно, чтобы актер чувствовал себя в костюме комфортно и мог полностью сосредоточиться на своей роли.

В театральном искусстве есть понятие игрового предмета. Это элемент одежды или реквизита, который непосредственно участвует в действии.

Представьте себе образ мальчишки-лакомки: в его костюме может появиться большой карман или сумка через плечо, из которой он в любой момент достает лакомство и угощает других. Такие детали помогают актеру сделать образ более целостным и достоверным.

Костюмы и оформление сцены – первое, что видит зритель в самом начале театрального действа. Они задают общую атмосферу спектакля, делают каждого героя уникальным.

Должны быть мурашки!

Хороший спектакль – это всегда гармония и взаимодействие всех его составляющих: режиссуры, актерской игры, светового и музыкального оформления, решения сценографии и костюмов.

– Что важно в создании костюмов?

– Не останавливаться на достигнутом. Необходимо постоянно учиться новому, осваивать не использованные ранее техники и материалы. Важно сравнивать свои результаты вчера и сегодня, анализировать, искать свежие решения и идеи. Только так можно двигаться вперед, расти и создавать по-настоящему уникальные образы.

– Какие навыки и качества необходимы для успеха в этой области?

– Целеустремленность. Стрессоустойчивость. Способность за короткое время находить в себе ресурс. Умение идти на компромисс, а где нужно, отстаивать свою точку зрения. Без технической базы не воплотится в материале ни один проект. Поэтому дизайнеру важно не только иметь хорошую фантазию, но и понимать конструкцию объемных форм, знать свойства материалов и особенности технологической обработки швейных изделий, уметь рассчитать расход материала и составить смету на проект, владеть навыками оформления технической документации и техзадания на проект. И еще много всякого, без чего эскиз и мечта о прекрасном образе могут так и остаться мечтой навсегда.

В одном из интервью я прочитала: «У меня только один критерий: есть мурашки – нет мурашек». И все. Если при мысли о чем-либо тебя пробирает насквозь, а в голове сразу табунами начинают нестись образы, – это твое!

– Какие планы на будущее? Есть ли проекты, над которыми вы мечтаете поработать?

– Сейчас я работаю над фриланс-проектами, продолжаю осваивать цифровую иллюстрацию и активно занимаюсь воспитанием двух замечательных детей. Есть мысли относительно создания собственного бренда одежды, но все пока на этапе планирования.

Надежда Аврамова, фото из личного архива героини публикации